Pintura

Ana Carcavilla en Nueva York

Miércoles, 04 de Octubre de 2017 15:59 Anselmo del barrio
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Ha recibido clases en dos prestigiosas escuelas

También ha expuesto en la Galería JMC

La pintora y profesora de Arte, Ana Carcavilla, ha vivido una inolvidable experiencia este verano al haber asistido a clases en dos de las más prestigiosas escuelas de Nueva York: The Art Students League y Grand Central Atelier.
En total han sido 127 horas en las que tal y como confiesa la artista, “he perfeccionado el dibujo y la pintura de la figura humana al natural. He tenido a profesores de la talla de Sharon Sprumg, Mary Beth Mekenzie o Marsall Jones, en la primera escuela; y maestros como el joven talento Patric Byrnes, en la segunda”.
Con estos estudios Ana Carcavilla afianza su “pasión por la pintura al natural, que en el caso concreto de la figura humana es imprescindible para captar la esencia y el alma de la persona. Es más importante que tener una buena técnica”.
En dichas escuelas “hay modelos muy especiales y pintorescos que te hacen fácil la tarea. Pintarlos al natural y de la mano de magníficos profesionales me ha ayudado a comprender muchas cosas y ver otros puntos de vista muy interesantes”.
Durante este tiempo, también tuvo la oportunidad de exponer varias obras en la galería JMC, en la 9 Ave. 47th; “conocer la ciudad y vivir en ella. He tenido tiempo para disfrutarla, visitando los numerosos e impresionantes museos como el Metropolitano, el MoMa o el Guggenheim...”.
Ana Carcavilla asegura que ha sido “una magnifica experiencia que supone un punto de inflexión en mi carrera como pintora y como profesora de Arte”.

 

Carlos López expone en la Casa del Almirante

Lunes, 29 de Mayo de 2017 07:37 Anselmo del barrio
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carlosUna muestra con 30 cuadros

Presentará su libro “Paisaje y materia”

La obra de Carlos López parece nacida de un peculiar equilibrio entre la mirada a su mundo interior y a la realidad exterior. No es ésta sino pretexto, punto de partida. Una vez transitada, observada, inteligentemente sentida, amable o apasionadamente interiorizada, se transpone a la realidad de la pintura donde queda objetivada como un estado del alma”, explica el pintor Javier Sueskun Molinat.
Él, junto a otros ocho artistas, ha colaborado con sus textos en el libro de Carlos López titulado “Paisaje y Materia”, que se presentará el 31 de mayo en la inauguración de la exposición que bajo el mismo título se podrá disfrutar en la Casa del Almirante hasta el 24 de junio
-¿Qué podemos ver en esta muestra?
- “Consta de unos 30 cuadros. Y la he titulado ‘Paisaje y materia’ porque han sido los dos hilos conductores con los que llevo trabajando ya unos 20 años.
Siempre he utilizado mitad y mitad, pero ahora parece que se va decantando la balanza hacia más materia. Es decir, menos representación del paisaje, e intento que la materia tenga por sí misma significado”.
- Pero siempre reconocible.
- “Sí. Siempre hablamos de figuración, aunque algunos tienden hacia la abstracción. Pero siempre se sugiere una línea de horizonte, de agua, una nube, una tormenta a punto de caer en el mar...”.
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- ¿Qué materiales empleas?
- “Polvo de mármol, piedra pómez, pasta de papel, a veces pego telas, papeles tal cual, hasta cartones...
Últimamente, sobre todo, he descubierto granos más gruesos que se utilizan para la construcción. Es como un polvo de mármol, pero en grueso.También utilizo mucho el serrín.
Y lo más novedoso de esta exposición es que hay una serie de cuadros en los que se va a ver un cambio en la forma de aplicar la pintura. Antes lo hacía con pincel, brocha o espátula.
Pero ahora cuando la base de látex está todavía húmeda, espolvoreo de forma horizontal esos polvos, esas cargas (polvo de mármol, serrín...) que caen encima de la cola que todavía está al dente y allí se va decantando. De esta forma consiguo unos nuevos efectos que son diferentes a la simple aplicación de la pintura con la espátula”.
-¿Encontraremos muchos paisajes de Bardenas?
- “No. Va a haber algo, pero que he pintado hace un par de años. Se puede decir prácticamente que no pinto Bardenas, o bien que sí me baso en fotografías de ellas, pero apenas son identificables. Son simples llanuras donde no se remata con el cabezo típico de las Bardenas. Sobre todo pinto últimamente mares, mares y más mares.
También va a haber unos cuadros pequeños de Tudela con la ciudad al anochecer en los que introduzco puntos bastantes importantes de luz”.
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- Y vas a presentar tu libro titulado “Paisajes y materia”. Hace tiempo que querías publicar un libro.
- “Sí. En este sillón (en el que Carlos aparece en la fotografía que ilustra esta entrevista) he pasado 20 años consultando libros como un auténtico fanático.
He aprendido más a través de un libro, de las reproducciones de imágenes en las hojas, que yendo a museos o galerías.
¿Por qué? Pues porque viviendo en Tudela tienes que viajar mucho y desplazarte para ver otros cuadros y es complicado. Obviamente me he pasado muchísimas más horas en ese sillón viendo, viendo y viendo.
Me hacía muchísima ilusión tener un libro mío. Y a su vez gracias a todas esas miles de horas que he estado consultado libros tenía muy claro cómo lo quería hacer. Ha sido un esfuerzo muy grande.
He seleccionado cuadros aproximadamente de estos últimos 5 años. No es un libro cronológico. No he seleccionado cuadros de cuando estudiaba Bellas Artes o comenzaba, porque no me aportan y no me gustan y viéndolos no me hubiese sentido identificado.
Pero sí que es un resumen vital porque a su vez está introducido por 9 personas que han escrito sobre mí”.
- Pero para haber llegado a la actualidad ha habido que pintar mucho y cubrir diferentes etapas.
- “Sí. Tengo 46 años y prácticamente soy un recién nacido. Siempre se aprende. Tengo amigos que llevan 50 años pintando. Tienen en torno a los 70 años, y es ahora cuando alcanzan la madurez, al llevar medio siglo pintando. Esta profesión es un camino muy largo pero apasionante”.

Actualizado ( Lunes, 29 de Mayo de 2017 07:45 )
 

Exposición de Chema Madoz

Martes, 02 de Mayo de 2017 15:10 Anselmo del barrio
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En la Casa del Almirante

Fue premio nacional de fotografía en 2000

Poeta de la imagen. Chema Madoz se vale del soporte fotográfico para redefinir su relación con el entorno inmediato. Premio Nacional de Fotografía en 2000, su obra se puede disfrutar hasta el 21 de mayo en la Casa del Almirante Fundación María Forcada, bajo el título “Ars Combinatoria”.
Su obra se centra en la presencia insólita de los objetos que selecciona y dispone en escenarios íntimos, construidos por él mismo, y que fotografía en blanco y negro. Consigue así extraerles un aliento poético que hace que, por corrientes y humildes que sean, se puedan abrir a nuevas y múltiples lecturas.
En su constante trabajo con los objetos, Madoz adopta diversas modalidades: el objeto encontrado sin alterar, el objeto manipulado o aquél que él mismo inventa y construye en su taller. Siempre a vueltas con los objetos, los metamorfosea buscando sus diferentes combinaciones, sus relaciones escondidas a primera vista, y juega con las percepciones de quien observa sus imágenes indagando en las trampas de la visión.
Se podría decir que el arte de Chema Madoz es el arte de la combinación. Combinación de elementos, de objetos que unas veces son dispares y otras guardan un parentesco, una cercanía. De ahí el título de la exposición.
Madoz trata de hacer cambios sutiles en las cosas, añadiendo y restando, a fin de crear esa extrañeza que sentimos ante sus fotografías. Extrañeza y familiaridad son dos características de su trabajo. Extrañeza porque sus obras, en un primer vistazo, nos chocan y sorprenden -los títulos no existen, no nos dan ninguna pista a la hora de interpretarlas- y familiaridad porque reconocemos al momento sus guiños y, al descubrirlos, una sonrisa ilumina nuestra mirada.

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Exposición 'Forma 70's"

Domingo, 02 de Abril de 2017 15:28 Anselmo del barrio
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En la casa del Almirante

44 obras de Fundación CAN

Excepcional. Así se puede calificar la exposición “Forma 70’s. Abstracción y figuración en la Colección de Fundación Caja Navarra”, que permenece abierta desde el 24 de febrero hasta el 2 de abril en la Casa del Alimirante-Fundación María Forcada.
Se trata de 44 obras, de las 717 que componen el patrimonio artístico de Fundación y que han sido cedidas al Gobierno de Navarra para su custodia, conservación y difusión en el Museo de Navarra durante cuatro años, prorroglables por idéntico periodo.
La exposición, de 44 obras, propone un diálogo de formas entre artistas nacionales y navarros, entre pintura tradicional y de vanguardia, entre lenguajes figurativos y abstractos, y entre “manifestaciones experimentales y populares”, en definitiva, un diálogo marcado por afinidades y contrastes. Están también presentes corrientes representativas del arte nacional e internacional entre los años 60 al 80, como el Pop Art y el Realismo crítico social, interpretados en los lienzos del pintor madrileño Fernando Somoza, Xabier Morrás, Pedro Osés y Joaquín Resano, exponentes estos últimos de la llamada “Escuela de Pamplona”, que tuvo su momento álgido en la década de los 70.
El recorrido cronológico de la exposición termina con una obra del recientemente fallecido Pedro Manterola, figura muy comprometida en esos años a nivel plástico e institucional, sin la que resulta difícil entender la evolución del panorama artístico posterior.
En definitiva, la exposición ofrece la oportunidad de adentrarse en la diversidad de formas y formatos, géneros y lenguajes que convivieron en aquellas décadas y que permiten reconstruir, de manera aproximada, aquella realidad artística en la que tradición y modernidad compartieron espacios en las salas expositivas de la Caja de Ahorros de Navarra y la Caja de Ahorros Municipal de Pamplona.
Después de Tudela la muestra se podrá ver en el Museo de Navarra (del 15 de junio al 1 de octubre de 2016) y en el Museo Gustavo de Maeztu de Estella (del 18 de octubre al 17 de diciembre).

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Entrevista a Jesús Miramón

Lunes, 27 de Febrero de 2017 08:13 Anselmo del barrio
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Expuso en el Museo de Castejón

“Una colección de paisajes y esculturas”

Jesús Miramón (nacido en Cascante, pero afincando en Tudela) es un ‘flâneur’, una persona que camina pausadamente por las ciudades en busca de esos detalles que pasan desapercibidos y que tienen una belleza especial.
Y esos trozos, retales de nuestra vida que nos rodean, los traslada al lienzo de forma magistral. Una parte de su arte lo hemos podido ver del 3 al 28 de febrero en el Museo de Castejón. Allí, presentó “Antagonía”, las dos primeras partes de su “Trilogía evolutiva” (‘Origen’, ‘Luces urbanas’ y ‘Ocaso forzado’). La demostración, es una retrospectiva que se basa en parte en la colección “Origen”, mínimamente ‘Luces urbanas’, y mayoritariamente en la matriz de su obra, Bardenas.
A la exposición también llevó esculturas, área donde juega con el hierro y el acero ‘Corten’ trabajado, que empiezan a tener relevancia en sus últimas exposiciones y una excelente acogida por parte de público y crítica.
- Jesús, ¿qué has llevado al Museo de Castejón?
- “Paisaje rural y urbano. Dentro de que en la vida va unido lo rural y lo urbano, hay una contraposición absoluta. De la belleza de lo natural voy a lo urbano, que es igualmente bello, pero que son totalmente oposición, aunque conviven juntos”.

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- Sigues metido de lleno en el impresionismo.
- “Sí, pero me gustaría irme endureciéndome un poco para pasar al expresionismo, que sería la tercera etapa, la “Deconstrucción”.
Es duro cambiar una forma de pintar cuando se piensa de una manera determinada, desde el interior. Pero lo estoy haciendo poco a poco para adentrarme en algo relacionado con las catástrofes que están ocurriendo hoy en día: ríos desbordados, hundimiento de ciudades, mucha demolición, mucha contaminación...
Me gustaría plasmarlo, pero de una manera no muy dulce, sino expresionista, que sea algo fuerte. Y eso cuesta, pero no tengo ninguna prisa. Lo iré haciendo”.
-En tu obra hay una clara evolución ¿Qué hacías en tus inicios?
- “Mucho paisaje y además suave. Hubo un tiempo que era semiabstraco, pero al final he ido retrocediendo un poco para hacer paisaje impresionista, pero siempre figurativo. No quiero llegar a la abstracción porque siempre deseo que en mis cuadros se sepa lo que hay.
Y en la segunda etapa me metí en lo urbano, que me da una satisfacción tremenda. Me gusta mucho porque en las ciudades hay miles de momentos que dan mucho de sí: lluvia, sol, gente, coches, noches, luces.... Y todo eso me gusta”.
- ¿Y por qué en tu última etapa estás combinando el paisaje con lo que denominas “Deconstrucción”?
- “Porque veo que hay cosas que estaban y que nosotros las estamos destruyendo poco a poco”.
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- Es una actitud de denuncia.
- “Sí. Es una denuncia a través de mi obra. Tengo hechos muy pocos cuadros, pero repito, no tengo mucha prisa en ir haciéndolo. De hecho sigo pintando retrato, que me gusta mucho, continúo haciendo mis paisajes, pero de vez en cuando me voy metiendo con la “Deconstrucción”, con la pintura protesta, porque no me gustan cosas que estoy viendo.
Intentaré que queden obras mías reflejándolo. No me gusta ver a un niño bebiendo agua de un río contaminado, ni esos ríos que bajan negros, con montones de basura y miles de peces muertos flotando, ni niños rebuscando entre miles de toneladas de basura para encontrar algo que comer, o los edificios altos que se queman o se destruyen como pasó con las Torres Gemelas.
Quiero que la gente vea que con la pintura también se pueden hacer cosas no tan bonitas. Además, quiero hacerlo con fuerza y con un cierto expresionismo. Me gustaría que la pintura no fuese demasiado suave, rosa, sino agresiva en su composición, en su color y en su forma”.
- Se te ve muy sereno, con las ideas muy claras sobre lo que deseas hacer.
- “Me voy haciendo mayor y eso me da una serenidad a la hora de pensar, de actuar y de hacer. Además, no me dedico a la pintura profesionalmente, tengo mi trabajo y eso me permite pintar con absoluta libertad. Voy haciendo lo que quiero hacer”.

Actualizado ( Lunes, 27 de Febrero de 2017 08:17 )
 

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