Pintura

Arte emífero

Lunes, 27 de Agosto de 2018 15:14 Anselmo del barrio
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II Certamen Des-adarve

Se han seleccionado 5 finalistas

Con el fin de poner en valor y redescubrir espacios del patrimonio dando usos nuevos y llegar más allá de la población compaginándolo con la vocación social de acercar otras formas de entender el arte, Tudela acoge este mes el II Certamen de Arte Efímero Des-adarve que se desarrollará en cinco espacios de la ciudad. El mismo fue presentado por el alcalde de Tudela, Eneko Larrarte; el concejal de Cultura, Javier Gómez Vidal; y los artistas Marta Pérez y Mikel Pau Casado.
En las antiguas ciudades musulmanas un adarve era un callejón sin salida, que podía cerrarse y que daba acceso a las viviendas situadas en él. ‘Des-adarve’ quiere ser un espacio de acceso, abierto a todos los públicos, que dote de nuevos usos y actividades a la ciudad a través de la participación y la creatividad del arte contemporáneo, poniendo a su vez en valor el patrimonio arquitectónico y cultural histórico.
Se han presentado 39 proyectos, 7 más que en 2017, y se han seleccionado 5 finalistas, que recibirán 1.200 euros para la ejecución de sus obras que se montarán entre el 1 y 7 de septiembre. El día 16 se anunciará el ganador que recibirá 2.000 euros. Habrá una mención especial al proyecto más votado por el público.
Las obras estarán expuestas en: Casa del Almirante-Fundación María Forcada, Palacio Decanal, Palacio Marqués de San Adrián, Centro de Salud Gayarre y Castel-Ruiz.
Paralelamente a estas exposiciones se han organizado diferentes actividades. El día 8, por la mañana, tras la inauguración del certamen, tendrá lugar una visita guiada en la que cada autor explicará sus proyectos. A las 19 horas habrá danza en la Plaza Vieja. El día 9 un grupo de estudiantes catalanes presentarán en Castel Ruiz la performance “Toxy” y por la tarde tendrá lugar una visita guiada con Mikel Ciordia.
Asimismo se organizarán diferentes talleres; en la calle San Antón se proyectará la película “Tiempos modernos”, de Charles Chaplin, con la actuación de un pianista; habrá música en vivo en la calle; y un concurso de fotografía.

 

“AFRIKA, Liñiou Fate / Los Olvidados”,

Miércoles, 04 de Julio de 2018 11:21 Anselmo del barrio
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Organizada por Fundación María Forcada

Incluye obras de Juanma Indo y Eduardo Forcada

Única, mágica y excepcional. Así se puede definir la exposición “AFRIKA, Liñiou Fate / Los Olvidados”, organizada por Fundación María Forcada, una mirada actual al arte y la cultura africana a través de las colecciones de Juanma Indo y Eduardo Forcada, de una gran originalidad y plasticidad. Instalada en un espacio magnifico, en la sede de Fundación María Forcada (Casa del Almirante, Rúa, 13), se puede visitar hasta el 2 de septiembre.
Liñiou Faté / Los Olvidados, se expuso en el Museo San Telmo de Donostia y El Centro Azkuna de Bilbao. Descubre a través de la imagen del Bibendum, mascota y símbolo de Michelin, una creatividad y una belleza de lo cotidiano en los habitantes de Africa que impacta y enamora.
Bibendum (nombre original del hombre rueda de Michelin) es uno de los iconos comerciales más conocidos de la historia del diseño y el marketing. Una enseña occidental que ha traspasado fronteras hasta llegar a puntos del planeta como el África Subsahariana, donde se utiliza, como en tantos otros sitios, para señalizar los talleres de reparación de pinchazos y de ruedas.
Sus dueños son artesanos, capaces de reparar una rueda de camión cosiéndola con una cuerda o con una chapa y tornillos; y también son artistas que pintan su Bibendum para indicar la actividad que realizan ante la ausencia de enseñas ofi ciales.
El Bibendum aparece con una aureola naif en algunas ocasiones; o de forma libre y artística, como lenguaje de arte en la calle, como marketing, en otras. Inenta emular a una marca, pero siempre hay algo más. ‘Liñiou faté’ significa ‘los olvidados’ en wolof, la lengua hablada en Senegal y Gambia. En esta exposición Indo muestra la creatividad en torno al icono Bibendum, a través de fotografías, vídeos y objetos originales, encontrados en Mauritania, Senegal, Mali, Burkina Faso, Gambia y Benin.
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Una muestra de la creatividad en torno al Bibendum que ha rescatado Indo en sus viajes por África. En los sitios más increíbles, desiertos, carreteras, ciudades, poblados, pistas de piedra o arena… ha encontrado estas pinturas creadas por artistas locales y en muchos casos anónimos, reproduciendo este símbolo en todo tipo de materiales: desde chapas desplegadas de bidones, tableros de madera, pilas de cubiertas hasta paredes de edificios y casetas.
Según indica Juanma Indo, “hasta ahora había hecho dos exposiciones con el hombre rueda, pero en este caso Fundación María Forcada ha brindado la oportunidad de unir Street Art, arte de la calle (moderno) y el arte tribal (antiguo), en este caso con obras de Eduardo Forcada”. Relata que “el artesano africano que tallaba hace mucho tiempo las máscaras para sus ritos lo hacía con figuras casi únicas destinadas a las ceremonias.Y luego esas figuras desaparecían o se abandonaban”
El artista actual, “además de seguir haciendo esas máscaras para los turistas, realiza obras modernas, de una gran belleza, entre ellas el hombre rueda que he ido recopilando a lo largo de mis visitas a África”
Con esta exposición “también queremos explicar que el africano no para, que sigue creando, en este caso haciendo imágenes del hombre rueda. Son obras únicas. No es un cartel que imprimimos aquí, sino que se hace sólo una vez sobre chapas, cemento, madera o cualquier elemento que el artista encuentra por la calle”.
De las tres exposiciones que se han organizado con el hombre rueda, la sede de Fundación María Forcada es la que más obras alberga: 85 imágenes. “Además, hemos colgado un telón que mide aproximadamente 14 metros de altura y tres de ancho, con un montón de imágenes”.
Eduardo Forcada aporta la parte tribal, que abarca una gran colección de obras únicas. “En ella podemos encontrar curiosas monedas de trueque, que nada tienen que ver con las que utilizamos nosotros, que se han venido durante mucho tiempo usando en África. Hay piezas que en su momento podrían valer un saco de maiz o trigo; y otras que se cambiaban por dos ovejas, e incluso mujeres, hombres, o esclavos”.
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La muestra incluye una colección de apoya cabezas de madera. “Son piezas también con formas muy extrañas, utilizadas por mujeres e incluso hombres. Cuando se hacían grandes peinados o moños para asistir a las ceremonias, con el fin de que no se les desmontasen, dormían con estos apoya cabezas para evitar tocar con el pelo el suelo. Son en realidad esculturas, casi actuales; es decir, que traducido a una escultura de tamaño grande de piedra, sería una obra de arte contemporáneo”.
Con motivo de la exposición se proyectarán documentales sobre el continente africano para entender mejor esta tan cercana, y desconocida cultura.
La muestra tiene además una lectura sociológica y económica. Habla del Sur, de los países en desarrollo y del abandono de estos lugares por parte de occidente y de sus enseñas. Habla de la creatividad en la escasez, pero también del olvido. Son imágenes olvidadas, condenadas a desaparecer. Los países desarrollados no podemos darles la espalda y tenemos la obligación moral de ayudarles en todo lo posible.
María Forcada manifestó sentirse “muy contenta de haber hecho esta exposición. La tenía en la cabeza hace muchos años y hoy la veo realizada por lo que estoy muy satisfecha”. Tuvo palabras de agradecimiento a las muchas personas que han trabajado sin desmayo para que sea una realidad. “Con vuestro esfuerzo habéis hecho posible que disfrute viendo lo bien que ha quedado esta casa. Me siento muy feliz”.

 

Entrevista a Mila García

Sábado, 24 de Marzo de 2018 11:55 Anselmo del barrio
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“Ponerle vida a un recorte de papel”

Es la fundadora de Similarte

Mila García, es un alma inquieta, cargada de creatividad. Creadora de ‘Similarte”, estudio creativo ubicado en Pamplona, es ilustradora especializada en papercut y papercraft, técnicas que utiliza para elaborar ilustraciones. Realiza escenarios y personajes para vídeo. Su trabajo está enfocado principalmente al mundo editorial y publicitario. Destaca principalmente por su carácter artesanal.
- En tu página web se puede leer: “de estudios periodista, de profesión internetera e ilustradora”.
- “Estudié Periodismo y durante muchos años me he dedicado a la comunicación, principalmente en internet realizando proyectos para redes sociales. Paralelamente he hecho pintura, exposiciones, hasta que en un momento determinado dije: quiero alejarme un poco de la comunicación en internet (de allí lo de internetera) y centrarme más en lo que sería “Similarte” y el mundo del papel. Uno las dos cosas: el mundo de la comunicación y el del papel”.
- Pero parece que el mundo tecnológico y el artesanal están en contraposición. ¿Cuándo diste el salto?
- “Siempre he dibujado y me dije: por qué no convertir lo que hago en una profesión. Llegó un momento en el que descubrí materiales nuevos, sobre todo el papel japonés, que me apasiona y me fascina. Me gusta tocar el material y participar en todo el proceso creativo.
Yo soy muy poco de ordenador. Pero obviamente me tengo que servir de la tecnología para realizar mis proyectos, porque si no sería imposible llevarlos a cabo. El trabajo con el papel es una manera de hacer.
Para mí lo importante es sacar lo mejor que tiene uno, que no quiere decir ser el mejor, y así puedes ofrecer algo diferente. Esa es mi apuesta”.
- ¿Cómo enfocas tus proyectos?
- “Depende de los requerimiemientos del cliente, como les he explicado a los estudiantes de Easdi, en las X Jornadas de diseño de la escuela. Unas veces te dan mucha libertad para crear; y otras partes ya de una idea creativa con sus propios condicionantes”.
- Tu objetivo es sobre todo contar historias con alma de papel.
- “Al final, lo más importante es la historia que estás contando. Puedes ver una película con unos efectos especiales de Óscar, pero si no te llega al corazoncito... Y eso es, siempre que puedo, lo que trato de hacer: ponerle vida a un recorte de papel”.

www.similarte.com

 

Entrevista a Roberto Gamonal

Sábado, 24 de Marzo de 2018 11:52 Anselmo del barrio
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Es uno de los fundadores de “Familia Plómez”

“Recuperamos antiguas técnicas

de impresión y composición”

Roberto Gamonal es profesor universitario, diseñador gráfico e investigador en temas relacionados con el Diseño y la Tipografía. También es doctor en Creatividad Aplicada e imparte asignaturas relacionadas con el Diseño Periodístico y el Diseño Editorial en la Facultad de Ciencias de la Información de la UCM.
Pero participó en las X Jornadas de Diseño de EASDi, por ser uno de los fundadores de la “Familia Plómez”, asociación cultural para la preservación mediante un uso actualizado de técnicas artesanales de composición tipográfica e impresión.
- ¿En qué ha centrado su intervención en estas jornadas?
- “Hemos hablado del rescate de las técnicas de impresión y composición artesanal con tipos móviles. Para decirlo de una manera es como Gutemberg trabajaba.
En la Familia Plómez hemos rescatado material antiguo de imprentas y le estamos dando un uso actualizado desde otro punto de vista, puesto que no somos tampoco profesionales de las artes gráficas, ni procedemos del oficio de cajista de la imprenta.
En pleno siglo XXI, en la era digital, en el trabajo de diseño mediante ordenador, nosotros hemos dado muchos pasos para atrás para trabajar de otra manera”.
- Realizáis talleres didácticos, pero también algún trabajo.
- “Volver un poco a estas técnicas está hoy en día entre la locura y el romanticismo. Pero aún así nosotros lo que intentamos hacer es sostenerlo desde el punto de vista didáctico, como por ejemplo con la realización de talleres, para un poco perpetuar y seguir divulgando todas estas técnicas.
También hacemos de vez en cuando algún proyecto profesional, pero los tiempos de entrega son absolutamente distintos a los que ofrece un estudio de diseño o una empresa de publicidad”.
- Parece que esa etapa está muy lejana, pero no hace muchos años que se trabajaba así.
- “Sí. Hace 20 y 30 años todavía había empresas que estaban funcionando así”.
- Para los jóvenes que estudian diseño les suena a “prehistórico”.
- “Sí, pero espero que les guste y que les ayude. La idea es volver a lo manual para entender también lo que se hace.
Detrás del ordenador todo parece que es sencillo, casi mágico, pero todo tiene un porqué. Cuando trabajamos en diseño, por ejemplo, las medidas tipográficas que aparecen en los programas informáticos proceden de una escala que vienen de las antiguas medidas de imprenta”.
- Sería interesante que en las universidades hubiera asignaturas en las que se tratasen las antiguas técnicas de impresión y composición artesanal.
- “Sí. En realidad muchas escuelas de artes y oficios de España tenían su propio taller de imprenta, lo que pasa que luego llegó la conversión a Offset, la fotomecánica... y esos centros educativos se deshicieron de ese material. Ahora he de decir que se están estirando de los pelos porque les gustaría incorporarlo, pero claro, es un material que se ha puesto, entre comillas, de moda, y es caro. Una institución de enseñanza muchas veces no se puede permitir eso.
En otros países como Inglaterra, Alemania o Italia lo han intentado mantener más o menos. Lógicamente han tirado mucho material, pero no han hecho el espolio que se ha llevado a cabo en España”.

 

Entrevista a Ricardo Félix

Sábado, 24 de Marzo de 2018 11:48 Anselmo del barrio
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Regreso a los orígenes

El diseñador ofreció una conferencia

en su antigua Escuela

Ricardo Félix siente pasión por su trabajo. Antiguo alumno de Gráfica Publicitaria de la actual Escuela de Arte y Superior de Diseño de Corella (anteriormente Escuela de Artes y Oficios), después de pasar por varias etapas se ha convertido en “freelance”.Trabaja por su cuenta, como autónomo y ofrece sus servicios profesionales a terceros. Regresó a su ciudad natal para hablar sobre su profesión en “Cumbres”, primer encuentro de escuela y empresa enmarcado en las X Jornadas de Diseño que organiza este centro educativo.
- ¿Cómo fueron tus inicios?
- “Formo parte de la segunda o tercera generación de esta especialidad en esta escuela. Acabé en el año 2001 y me concedieron una beca Leonardo para hacer prácticas en el extranjero. Me marché a Italia. Tuve la posibilidad de quedarme, pero decidí regresar a Corella. Estuve unos meses y me fui a Barcelona. Al poco tiempo entré en una multinacional, en el departamento de Marketing. Buscaban un diseñador y me quedé. En Barcelona he estado prácticamente 13 años. Desde hace tres estoy en San Sebastián”.
- ¿Y dónde trabajas?
- “Trabajo de freelance. Trabajaba en una consultoría de marketing digital en Barcelona. Estuve un año trabajando a pie entre Barcelona y Zarauz, en remoto, pero al final decidí que quería ser freelance.
Mi trabajo está muy enfocado al diseño de producto digital. Me gusta ir muy de la mano del cliente y por eso hago también mucha asesoría, y construcción de marca digital. Igualmente realizo trabajos físicos para editoriales y de marca, pero lo que menos. Los llevo a cabo si forman parte del proyecto general. Me gustan mucho los proyectos en los que puedo hacer toda la identidad de marca y si incluye algo de transformación del negocio, perfecto”.
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- ¿Cuentas con colaboradores?
- “Sí, pero no es lo más habitual porque intento hacerlo todo yo, no porque sí, sino porque los proyectos intento amoldarlos a esos objetivos. Tengo una red de colaboradores, ex compañeros, amigos y gente que va apareciendo en función de las necesidades”.
- En 2017 en estas jornadas entrevistaba a David Olloqui, diseñador corellano que como tú estudió en esta Escuela. Decía que para llegar lejos en esta profesión se necesita motivacion. ¿Que opinas?
- “Motivación sí; hay que tener ese factor de pasión, pero creo que estamos en una etapa, no sólo para el diseño, en la que necesitamos espíritu crítico. Necesitamos gente que no sea conformista, que entienda la responsabilidad del diseño y que se vuelque con ella. Que se arriesgue y ya que es una profesión difícil, que ayudemos a que lo sea menos. Y que aportemos valor”.
- En la vida diaria todo es diseño.
- “Sí y está aquí para ayudar a hacer un mundo mejor. Suena muy naíf, pero es verdad. Ayuda a dar soluciones, a arreglar conflictos, a proporcionarnos comodidades. Todo es diseño. Por eso tenemos que coger esa parte de responsabilidad y trabajarla muy bien”.

 

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